HPB Spirit: la ilusión, el velo y el despertar

Hay canciones que nacen como un relato. Y hay canciones que nacen como una puerta.

HPB Spirit pertenece a este segundo tipo: no se limita a narrar una historia concreta, sino que propone una experiencia interior. Es una pieza que intenta describir algo que nos ocurre a todos —en distintas formas, en distintos momentos— cuando el ser humano atraviesa sus propios límites, descubre que estaba viviendo dentro de un velo… y finalmente despierta. Lo que aquí llamo “despertar” no es una moda espiritual ni una frase bonita: es un proceso real, a veces incómodo, a veces luminoso, por el cual la conciencia se amplía y empieza a ver lo que antes no podía ver. Y lo curioso es que casi siempre el despertar sucede después de lo mismo: una ilusión.

1. La ilusión como condición humana

La ilusión no es solo “engaño”.
La ilusión, en un sentido filosófico y psicológico, es el mecanismo natural mediante el cual la mente interpreta el mundo.

Vivimos interpretando:

• interpretamos a las personas,

• interpretamos los símbolos,

• interpretamos los logros,

• interpretamos la verdad,

• interpretamos el sentido de nuestra vida.

Incluso cuando creemos estar siendo “objetivos”, seguimos filtrando lo real a través de nuestra historia, nuestros deseos, nuestras heridas y nuestras expectativas. En filosofía, podríamos decir que el ser humano no vive en “lo real puro”, sino en una construcción: una mezcla entre realidad y representación. Por eso tantas tradiciones, desde Platón hasta ciertas corrientes orientales, han insinuado lo mismo con distintos lenguajes: vemos sombras, no la fuente de la luz.

En ese sentido, la ilusión no es un accidente. Es un escenario. Es el terreno donde ocurre el aprendizaje.Y por eso, HPB Spirit no trata sobre una ilusión específica, sino sobre el patrón universal: primero creemos, luego chocamos, y entonces… si tenemos el coraje, despertamos.

2. El velo: cuando lo verdadero está oculto

El concepto del “velo” aparece una y otra vez en la historia del pensamiento:
la idea de que lo esencial no se presenta inmediatamente, sino que está cubierto por capas.

Capas como:

• el ego (lo que creemos ser),

• la identidad social (lo que mostramos),

• la costumbre (lo que repetimos),

• el miedo (lo que evitamos),

• la comodidad (lo que adormece).

En HPB Spirit, el “velo” no es un enemigo externo. No es “alguien” ni “algo” que nos engaña. Es la suma de nuestras propias capas: ese conjunto de filtros que, sin darnos cuenta, nos mantiene en una vida parcialmente dormida. Entonces, ¿qué es despertar? Es comenzar a ver sin tanto filtro. Es mirar con una conciencia menos automática y más profunda.

3. El despertar no es un momento: es un proceso

Mucha gente imagina el despertar como una revelación instantánea. Pero, en la experiencia real, el despertar suele ser un proceso lento. A veces casi silencioso.

Ocurre así:

1. Algo nos encanta, nos seduce o nos convence.

2. Nos entregamos a esa idea, a esa visión, a esa interpretación del mundo.

3. La vida nos muestra el límite: lo que no era, lo que no podía ser, lo que no era tan sólido.

4. Y ahí aparece un punto de quiebre: o nos volvemos cínicos… o nos volvemos conscientes.

HPB Spirit se ubica en ese momento de transición: cuando algo se cae, pero en lugar de destruirnos, nos revela.Y ese es un punto clave: no todo derrumbe es una tragedia. A veces un derrumbe es una liberación. Un ajuste. Una claridad.

4. El alma humana está “guardada” tras años de esfuerzo y sacrificios

Hay un fenómeno humano que me interesa profundamente: con el paso de los años, el ser humano se vuelve eficiente, productivo, fuerte… pero muchas veces se vuelve también opaco.

No por maldad.
Por supervivencia.

Trabajar, sostener proyectos, alcanzar metas, cumplir roles, cargar responsabilidades… todo eso nos entrena para funcionar. Pero también puede alejarnos del centro. Y el centro, en este texto, lo llamo Alma: no como algo religioso literal, sino como lo esencial, lo íntimo, lo vivo, lo verdadero. Ese núcleo que no se compra, no se exhibe y no se finge.

En HPB Spirit, hay una idea constante: el alma suele estar oculta, no porque esté ausente, sino porque está guardada.

Y en algún punto de la vida —cuando acumulamos experiencias, pérdidas, aprendizajes, silencios— algo la despierta.

No siempre es un gran suceso.
A veces es un detalle.
A veces es una grieta. Pero ocurre.

5. Lo femenino como principio creador

En el universo simbólico del videoclip y de la canción, el Alma aparece representada como una mujer. Y acá es importante decirlo con claridad: no es un tema de género ni de sexo. No se trata de “la mujer” como persona concreta, sino de lo femenino como principio. En muchas tradiciones filosóficas y espirituales, lo femenino no es “lo opuesto” a lo masculino, sino la dimensión primordial de lo manifestado: la potencia creadora, la receptividad profunda, la capacidad de gestar, de sostener, de revelar, de dar forma. Lo femenino como energía dadora: no solo “dadora de cosas”, sino dadora de existencia, de sentido, de vida. Por eso esa figura puede estar en ambos mundos: en lo material y en lo espiritual, sin contradicción. Porque el alma verdadera no es “anti-materia”. El alma, cuando está despierta, habita lo material con lucidez.

6. La playa como frontera: materia y absoluto

¿Por qué la playa? Porque la playa es un símbolo extraordinario: es una frontera natural donde dos realidades se tocan.

El mar

El mar representa la inmensidad, lo inabarcable, lo eterno. En muchos lenguajes simbólicos, es la imagen perfecta del Absoluto: aquello que no cabe en una definición, aquello que excede nuestros deseos, aquello que siempre fue y siempre será, independientemente de nuestras pequeñas historias.

🏜️ La arena y los cerros

La arena y los cerros representan el mundo material: la forma, lo concreto, lo cotidiano. No como algo inferior, sino como el plano donde se aprende. La playa no “elige” uno u otro. Los contiene.

Y eso es exactamente lo que busca expresar HPB Spirit:
la idea de que el despertar no consiste en escapar del mundo material, sino en reconocer que hay un trasfondo espiritual presente en todo —incluso en lo cotidiano.

El mar está ahí.
La arena está ahí.
Y la consciencia, si se despierta, aprende a ver ambos.

7. Los mensajes ocultos: la canción como objeto iniciático

Hay obras que se consumen una vez. Y hay obras que se vuelven más profundas cada vez que regresas a ellas. HPB Spirit está pensada como lo segundo: una canción que no “se entiende” por completo en una primera escucha, sino que se va revelando por capas. Por eso HPB representa muchas cosas. No es un acrónimo que se agota en una sola lectura. Es una clave. La idea es que el oyente sienta que la canción tiene “puertas internas”:

que si la escuchas con atención —con los años, con la vida encima— empiezas a descubrir cosas que antes no veías.

Ese es un principio filosófico:
el significado de una obra también depende de quién eres tú cuando la escuchas.

Tú no eres el mismo a los 20, 30, 40, 50. Entonces la obra tampoco es la misma.

8. Spirit: el trasfondo invisible de lo que nos sucede

¿Por qué Spirit?

Porque lo importante de la vida rara vez se presenta de forma explícita.

Muchas de las cosas que nos cambian no vienen con etiqueta.
No vienen anunciadas.
No vienen diciendo: “esto te va a transformar”.

A veces vienen como un problema.
A veces como una pérdida.
A veces como una decepción.
A veces como un silencio.
A veces como un cansancio.

Y sin embargo, debajo de ese evento visible, hay algo invisible trabajando:
una lección, una purificación, una reorganización interna.

Eso es lo que simboliza Spirit:
el trasfondo secreto que, con el tiempo, se revela.

9. Filosofía del despertar: de Platón a la vida real

Hay un eco inevitable con la alegoría de la caverna de Platón:
creemos que lo que vemos es “todo”, hasta que algo nos obliga a mirar hacia otra dirección.

Pero a diferencia de la lectura académica, aquí no se trata de teoría.
Se trata de vida real:

• vivir dormido es vivir reaccionando,

• vivir despierto es vivir entendiendo.

Y entender no es “controlar”.
Entender es mirar con claridad.

HPB Spirit no promete felicidad inmediata.
Promete lucidez.

Y a veces la lucidez duele…
pero también libera.

El verdadero tema de HPB Spirit

HPB Spirit, en su núcleo, es una reflexión musical sobre esto: Que el ser humano atraviesa ilusiones, cae, aprende, y despierta. Que el alma —aunque parezca oculta— está presente y puede revelarse. Que lo material y lo espiritual no son enemigos, sino planos coexistentes. Y que el tiempo, la experiencia y la escucha profunda nos permiten ver lo que antes no veíamos.

Tal vez ese sea el mensaje central:

No todo lo que se rompe se pierde.
A veces lo que se rompe… te revela.

Y si la obra cumple su propósito, el oyente no solo escuchará una canción. Sentirá una puerta. Y, ojalá, una chispa.

HPB Spirit no busca ser comprendida de inmediato.

Está hecha para ser escuchada con tiempo, con silencio y con la propia historia a cuestas.
Tal vez en una primera escucha solo percibas la música; en las siguientes, empiecen a aparecer capas, símbolos, resonancias.

Si algo de lo que has leído aquí dialoga contigo, la invitación está abierta:
permite que la canción haga su propio recorrido en tu interior, sin forzar significados, sin expectativas.

🎧 Escucha HPB Spirit aquí:
https://open.spotify.com/intl-es/track/4128O6JAHVZYdSVkTgvPtw?si=0424e4dc8d8f4dba

A veces, una canción no llega para entretener, sino para acompañar un momento de lucidez.
Y eso, cuando ocurre, ya es suficiente.

Más allá del escenario: las 7 dimensiones humanas de Randy Rhoads

En el furioso mundo del rock & metal, donde el ruido supera al susurro y las luces enceguecen más que iluminan, surge la figura fugaz de Randy Rhoads. Un guitarrista que dejó su huella técnica en la historia, sí… pero lo que más me interesa contarte ahora, es la persona detrás de la leyenda: su humildad, su vocación, su vida interior. Porque conocer al otro lado del monstruo de la guitarra nos humaniza y nos inspira. Cuando escuchamos nombres como Randy Rhoads, evocamos riffs implacables, solos agudos, la “V” blanca en escena. Pero pocos se quedan con esa otra dimensión: el chico que apenas medía 1,52 m, que coleccionaba trenes de juguete, que enseñaba música en la escuela de su madre, que prefería practicar a las fiestas. La prematura muerte a los 25 años no nos dejó ver lo que podía llegar a ser —pero su humanidad se mantiene intacta. Este artículo explora esa faceta más íntima, con tono motivador y mirada al futuro: qué podemos aprender, cómo su ejemplo aún resuena.

1. Infancia, raíces y formación

Randy Rhoads nació el 6 de diciembre de 1956 en Santa Mónica, California. Su madre, Delores “Dee” Rhoads, era maestra de música y fundó la escuela Musonia en North Hollywood. Desde pequeño, Randy respiró música en casa: lecciones de guitarra, piano, lectura de partituras. Un entorno no de fama, sino de disciplina y creación. Esto ya nos dice mucho: un artista forjado desde el respeto por el oficio, no solo por el show.

2. Vocación de maestro y actitud ante la música

• Randy enseñó guitarra en la escuela de su madre incluso antes de saltar al estrellato. Su amigo Kelly Garni recuerda que Randy le enseñó bajo cuando ambos eran adolescentes. 

• Al llegar al mundo de giras y fama, Randy mantenía hábitos de estudio clásico: iba tras bastidores con guitarra acústica, practicaba lo mismo que otros maestros de música. 

• No era un tipo que sólo quería lucirse. Su meta —según quienes lo conocieron— era tocar “bien”, aprender, crecer, y compartir ese crecimiento. 

3. Humildad, carácter personal y relación con los demás

• A pesar de su talento, era descrito como “tímido”, “humilde”, “amable”. Su hermana Kathy dijo que nunca se imaginó ser tratado como estrella; cuando alguien le pedía una foto o firma, se sonrojaba. 

• Con sus compañeros: Cuando otros se lanzaban por la noche, Randy muchas veces se retiraba para escribir cartas a su madre, o practicar solo. Testimonios dicen que mientras su entorno se entregaba al exceso, él optaba por lo sencillo. 

• Relación familiar fuerte: Con su madre, con su escuela, con sus raíces. Incluso cuando estaba girando, su vínculo a casa seguía presente. Eso habla de alguien que no perdió su base, un valor precioso.

4. Ética de vida: elección frente al exceso

En el mundo del rock de los 70-80, el exceso era norma. Pero Randy exhibió una actitud diferente:

• Según Ozzy Osbourne, Randy “bebía poco, no era fiestero” y prefería bebidas suaves (como Anisette). 

• En una era en que nadie parecía sacarse de la mente el siguiente trago o la siguiente juerga, Randy ya intuía que la música importaba más que el flash.

• Esto nos deja un mensaje relevante: la grandeza no depende del caos, depende de la coherencia interior.

5. Hobbies, sensibilidad y vida interior

No todo era guitarra y escenario:

• Era coleccionista de trenes de juguete, algo poco típico para lo que se espera de un “rockstar”. 

• Les encantaba la historia de los castillos de Inglaterra; cuando llegó a Londres para grabar con Ozzy, fue a buscar miniaturas, fotografías, recuerdos. Eso muestra una curiosidad genuina más allá del heavy metal. 

• Según su hermano, era “devotamente luterano”. Un indicio de que había también un aspecto espiritual en su vida, no solo la guitarra. 

Todo esto pinta un retrato de un músico con mundo interno rico, detallista, curioso y con muchas capas.

6. Impacto humano: lo que dejó tras de sí

Aunque su carrera duró poco (murió en 1982), su huella humana es tan perseverante como su huella musical.

• Compañeros como Ozzy confiesan que su muerte fue una de las mayores tragedias de su vida. 

• Alumnos, fans, familiares siguen hablando de “la bondad de Randy” tanto como de sus solos. Eso lo convierte en referencia no solo técnica, sino moral.

• Para todos, y como docentes, esto es relevante: la grandeza no solo se mide en notas por minuto, sino en impacto en vidas, en mentoría, en integridad.

7. Reflexión final: ¿Qué podemos aprender de Randy Rhoads como personas?

Aprendizajes que aplican a tu vida profesional y personal:

• La humildad como base del talento: No basta con ser bueno, sino con mantenerse conectado al origen, a la música, a los demás.

• Vocación de enseñar transforma el legado: Randy no solo tocaba solos, también genuinamente daba clases. Tu función como docente se conecta ahí.

• Respeto por el trabajo, no por la fama: Practicar clásico a medianoche, estudiar partituras, coleccionar trenes… Se trata de cultivar vida interior.

• Ser humano antes que estrella: Las personas se recuerdan por cómo te hacen sentir, no sólo por cómo te oíste tocar.

• Brevedad no quita intensidad – A pesar de su corta vida, Randy vivió plenamente; cada día cuenta, cada acto suma.

Randy Rhoads fue más que un virtuoso de la guitarra eléctrica; fue un mentor silencioso, un alma curiosa, un músico con raíces, y un ejemplo de cómo la grandeza puede venir desde la serenidad. En nuestros roles como músico, profesor y estudiante, su historia es una chispa: ilumina la necesidad de enseñar con integridad, de tocar con sentido y de vivir con propósito.

La púa que cambió mi forma de tocar: 20 años de búsqueda y un diseño perfecto

🎸 La ciencia, el arte y la historia detrás de mis púas personalizadas

Por Kike Yompian

1️⃣ La historia: una búsqueda que comenzó con una simple púa

Cuando comencé a tocar guitarra eléctrica, como la mayoría, empecé con púas delgadas —de menos de un milímetro—. Eran cómodas, fáciles de manejar, y ofrecían poca resistencia al rozar la cuerda. Todo se sentía suave, casi sin esfuerzo. Pero con el tiempo comprendí que esa flexibilidad también quitaba precisión y control. A medida que crecí como guitarrista, pasé a las de 1 mm, luego 1.5 mm, y finalmente a las 2 mm. Al principio me chocaban: sentía la cuerda más tensa, el ataque más duro. Sin embargo, esa resistencia fue puliendo mi técnica. Empecé a entender que una púa más firme me daba más control, más claridad y más poder.

 

 En esos años se decía que las púas gruesas eran “para bajistas”, pero siempre fui curioso. Me fascinaba observar los modelos, las formas, los materiales. Probé decenas de púas hasta que descubrí las de Jennifer Batten, una guitarrista que siempre admiré. Su diseño era genial: un lado más largo para el tapping y otro con una pequeña protuberancia para hacer pick scrape sin desgastar la púa.

Tiempo después compré un box set de Yngwie Malmsteen que incluía una púa de 2 mm. Ese fue mi punto de inflexión. Sentí que todo encajaba: precisión, comodidad y tono. Desde entonces, comencé a tocar exclusivamente con púas gruesas.

Probé modelos como la Mini Stubby de Dunlop (una pequeña gota morada, perfecta para solos, pero algo incómoda para rítmicas funk). Luego descubrí las Delrin 500 de 2 mm, que usé durante años gracias a mi baterista Jossie, quien me trajo varias de viaje.

Hasta que un exalumno, Leonardo, me mostró en el catálogo de Dunlop las Primetone de 3 mm. Cuando las probé, entendí por qué muchos guitarristas profesionales preferían ese grosor: el ataque era más directo, el tono más sólido y la respuesta instantánea.

Fue entonces cuando decidí ir más allá. Como clinicista viajando por todo el Perú, noté que las púas podían ser también parte de mi identidad, una extensión de mi sonido y de mi enseñanza. Comencé a crear mis propias púas como merch —primero de 1 mm y 2 mm—, hasta que encontré un fabricante que hacía modelos de hasta 7 mm.

Ahí nació la idea: diseñar una púa que uniera ergonomía, sonido y personalidad. Conocí a Jhoan Carmona, músico, luthier y creador del modelo Hyper Speed, con quien compartí ideas y conceptos. Su visión sobre el control y la velocidad natural influyó profundamente en mi diseño. Junto con Jhoan, especializado en púas de acrílico, desarrollamos mis modelos finales. Mezclamos elementos de las Big Jazz, las High Speed (con sus biseles rápidos) y las Primetone. Así llegué al diseño que uso hoy: una púa sólida, ergonómica y fiel a mi forma de tocar.

Fotos e impresiones de como se construyeron las púas de Kike

• 5 mm: mi versión personal, completamente transparente, con máxima proyección y control.
• 2 mm: translúcida en color rojo, pensada para guitarristas que están haciendo la transición hacia púas más gruesas.

Así comenzó esta aventura. Una búsqueda que partió de la curiosidad y terminó convirtiéndose en una extensión natural de mi sonido y mi filosofía musical.

2️⃣ Ergonomía y ciencia detrás del diseño

Hablar de la ergonomía en una púa es hablar de la conexión entre el cuerpo, la física y el sonido. Cada curva, cada milímetro de grosor, cada material tiene un propósito: traducir el movimiento del músico en vibración, tono y energía. Inspirado por los estudios del diseñador suizo de Plectrum.ch, entendí que el grosor no es un simple detalle, sino una cuestión de biomecánica. Según su investigación —base de diseño de modelos como la Anvil y la Drop—, una púa más gruesa trabaja con la anatomía de la mano, no contra ella.

• Más resistencia mecánica.
• Mejor estabilidad de agarre.
• Menos tensión muscular.
• Mayor control con menos esfuerzo.

Estos principios se aplican también en la medicina, la gastronomía o la artesanía: un bisturí ergonómico, un cuchillo de chef o un cincel grueso permiten mayor precisión con menos fatiga.

Así descubrí que una púa gruesa no solo cambia el sonido, sino la relación física con el instrumento. Al eliminar la flexión de las púas delgadas, la energía viaja directamente desde los dedos hacia la cuerda, generando un ataque más firme y un tono más definido.

🧩 Grosor y respuesta sonora

• Minimiza la pérdida de energía.
• Aumenta la precisión temporal.
• Evita la fatiga en sesiones largas.
• Da un ataque redondo, potente y articulado.

Por eso mis modelos se centran entre los 2 mm y 5 mm: ese rango ofrece el equilibrio perfecto entre velocidad, comodidad y cuerpo sonoro.

⚙️ El bisel: fluidez sin fricción

Inspirado por las Prodigy de Ernie Ball, adopté el biselado progresivo en mis diseños. Este detalle permite que la cuerda se deslice con suavidad, reduciendo el roce y favoreciendo un ataque más veloz. Es ideal para técnicas como alternate picking, sweep picking y legatos rápidos. El bisel transforma la resistencia en fluidez, haciendo que la púa literalmente “flote” entre las cuerdas.

⚡ El diseño “Hyper Speed”

Mi colaboración con Jhoan Carmona, creador del diseño Hyper Speed, fue clave para dar forma al concepto final. Su propuesta busca que la cuerda rebote sin generar fricción ni clics audibles, incluso con distorsión o alta ganancia. Al fusionar esa filosofía con mis prototipos acrílicos, logré una púa con ataque limpio, precisión extrema y una sensación ergonómica natural para la mano.

“Una buena púa no se elige por marca o color, sino por cómo armoniza tu cuerpo con tu sonido.”

3️⃣ Modelos y variantes

Mis púas personalizadas nacen de esa mezcla entre ciencia, técnica y emoción. Cada una tiene un propósito distinto, pero todas comparten los mismos principios: control, ergonomía y claridad sonora.

🎸 Kike Yompian Signature 5 mm (Transparente)

• Material: Acrílico de alta densidad.
• Color: Transparente cristalino.
• Diseño: Curvatura ergonómica con biselado doble tipo Hyper Speed.
• Sensación: Firme, precisa, con ataque limpio y cuerpo pleno.
• Ideal para: guitarristas solistas, técnicas de velocidad, sweep picking, legato y alternate picking agresivo.

🎶 Kike Yompian Classic 2 mm (Rojo Transparente)

• Material: Acrílico fundido.
• Color: Rojo translúcido.
• Diseño: Mismo perfil ergonómico, pero con mayor flexibilidad para rítmicas.
• Sensación: Suave y controlada, permite alternar entre fraseos rápidos y acompañamientos.
• Ideal para: transiciones desde púas delgadas, estilos funk, rock clásico y blues moderno.

¿Te interesa obtener las púas de Kike?

Crear mis púas fue un viaje de más de veinte años de experimentación, observación y sensibilidad.

No nacieron de un laboratorio, sino del escenario, de la docencia, y de la necesidad de conectar técnica y emoción. Hoy cada púa lleva un poco de mi historia, de mi forma de enseñar y de cómo entiendo la guitarra: no como un instrumento, sino como una extensión de lo que somos.

👉 Si deseas adquirir tus púas personalizadas de Kike Yompian, puedes hacerlo directamente desde este enlace: LINKPUASKIKE

“La púa ideal no solo mejora tu toque… revela quién eres cuando tocas.”